Desarrollo de un lenguaje gráfico que toma como elemento central el uso de imagen de segunda generación* en el ámbito de la pintura digital. Lo anterior tiene como finalidad el emplazamiento de obras públicas como sería el caso de murales digitales y su difusión por medio de obras de menor formato en la forma de ediciones limitadas. Mi iconografía tiene un denominador común que se centra en el fenómeno histórico como articulador de entornos específicos. El interés de artistas nacionales como Hugo Marín e internacionales como Francisco Toledo en torno a la morfología del paisaje subyugado al elemento étnico y cultural constituye en gran medida el paradigma de mi obra. Esta visión gestáltica donde el diálogo de los planos determina la parte orgánica de la forma, es el alfabeto con el cual construyo un plano visual múltiple e indefinido. Aquello que define Gauguin sobre la pintura como el pasado, el presente y el futuro contenido en un solo lugar.

* Toda estampa que utiliza dos o más matrices, bloques o planchas antes de su impresión final, siendo ello caracterizado por el uso de doble calce e imágenes fantasmas.

ELECTROGRAFIA
Aspectos de una nueva realidad imaginativa


I.

Desde remotos tiempos el dilema permanente del hombre ha sido: ¿Cómo puedo exteriorizar materialmente lo que pienso, para que otros lo vean? Los ejemplos más antiguos de este propósito los encontramos en los moldes con los que se confeccionaban en serie los utensilios rituales o domésticos, en China, hacia los años 8.000 A.C., en las poblaciones del delta del río Amarillo. Posteriormente, aparecen las improntas caldeas, que por ser sellos que reproducían imágenes únicas en greda.

Sin embargo, mucho antes, este deseo de exteriorizar un anhelo estético o emocional, lo encontramos en el arte parietal, en las pinturas de las viejas cavernas del magdaleniense europeo, hace 36.000 años.

Han pasado muchos siglos desde esos tiempos. No obstante, es permanente la inquietud por descubrir medios para traducir la idea del espíritu humano en un medio soportante. Este puede ser, en el caso de la gráfica, un lienzo, un papiro, un papel, un muro u otra materia dotada de una superficie lisa y estable. Así como también lo encontramos en la historia de la técnica de la pintura de caballete, del muralismo y de lo que denominamos grabados.

En la historia de la estampa gráfica, debemos distinguir dos épocas. En la primera, están los medios de impresión tradicional, tales como: xilografía, grabado en metal y litografía, además de las técnicas mixtas y variaciones sobre estos medios de impresión. En la segunda era de la estampa gráfica aparecen los medios contemporáneos de impresión, siendo la serigrafía y el offset los primeros en inundar la arena plástica a fines de la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, es a partir de fines de los años 60 en que los medios de impresión, unidos a la tecnología electrónica, dan comienzo a la revolución en la imagen impresa y las comunicaciones visuales, siendo la electrografía el término acuñado para designar tal modo de impresión y comunicación visual. La electrografía es una nueva álgebra que establece relaciones más ricas, complejas, pragmáticas y multifacéticos, con las que sus cultores escapan de los juicios estéticos y de oficio tradicionales.

II.

Alexander Sutulov, nace en una ciudad, Concepción, Chile –en el Sur de América–.

Los años de infancia se nutrieron con la educación regular, en un ambiente universitario por la actividad cultural y académica de su familia. Así, el comienzo de su juventud, la vocación y los horizontes espirituales se abrieron hacia los campos de la sensibilidad visual. Aptitudes, condiciones y destino, exigían otras experiencias, otros maestros, acordes a los desafíos de los tiempos.

Los Estados Unidos, fueron el atanor simbólico donde se decantaron sus aspiraciones. La gran planicie americana de las Rocallosas fue su hogar. Primeramente se establece en Utah, donde inicia su formación como artista gráfico y donde adquiere el dominio de traducir la silueta de la idea a la obra y luego colorearla. Aprende a valorar los matices, complicarlos, manteniendo ordenamientos superiores, gestando transparencias y manifestando la exteriorización de conceptos.

Alburquerque fue su segunda morada formativa. En este medio su experiencia fundió aquéllas de los procesos tradicionales del oficio del grabado, con las invenciones tecnológicas contemporáneas de impresión computacional, esta residencia significó un salto enorme hacia las puertas de las nuevas posibilidades de expresión estética actuales incluyendo el método “mylar”, la foto transferencia y técnicas mixtas.

III.

Desde muy temprano, la historia de las formas de la vida ha preocupado al artista. Durante varios años investigó las apariencias de presentación formal de seres vivientes, desde los microscópicos protozoos, especies ictiológicas, aves, mamíferos inferiores y superiores, hasta llegar al fenómeno humano.

En la investigación formal de los seres animados, descubrió la complejidad biomorfa, la historia y la sujeción de la vida al reloj temporal. En sus reacciones artísticas vamos a encontrar reflejados estos tres elementos de manera muy coherente.

Si observamos sus obras, vemos que la temática emerge, con frecuencia, desde una referencia cultural o histórica. El motivo se presenta como una alegoría fantasmal que trasciende el tiempo y que, desde el plano material, se relaciona dialécticamente con las sucesivas visiones yuxtapuestas. La perspectiva tradicional –que provoca la sensación de profundidad en la plástica habitual– es reemplazada por otra de esencia temporal. El observador mira la imagen en sucesivos tiempos, de ello proviene la profundidad vital con que ésta se desplaza dinámicamente en el tema. Aparentemente observamos veladuras que enmascaran la totalidad o fragmentos temáticos. Sin embargo, es el tratamiento tecnológico el que permite ese fenómeno consistente en que los elementos desarticulados –en apariencia–, se reunifiquen a voluntad en la retina del observador, transformando la idea original en visiones personales, casi probabilísticas. En las obras de Alexander Sutulov, lo vital no nace del dibujo en el contexto de un bosquejo, sino de la interacción dinámica de los planos superpuestos, sin que alguno de ellos tenga prioridad o jerarquía frente al espectador.

La alianza entre la reflexión plástica del artista y las exploraciones de la capacidad tecnológica, propias de las nuevas máquinas de transmisión comunicacional de última generación, abren un sorprendente escenario a la representatividad estética del tiempo. A través del recurso formal de la superposición de recuerdos, plasmados en fragmentos de arquetipos culturales, el artista logra captar la esencia de lo temporal y a la vez la dinámica de la vida.

Las obras de Alexander Sutulov rompen, tanto en su concepción como en su ejecución, con los moldes habituales. El concepto de taller cerrado, emplazado en un solo lugar físico, desaparece. La obra es el producto de un “taller flotante” (*), en que el talento crea un diagrama y dirige un proceso creativo, controlando los vectores de calidad, para obtener un producto estético tecnológicamente original, único, ajeno a la localización espacial.

Gracias a esta forma de ejecutar la creación plástica, las referencias formales adquieren una vida inusitada, puesto que nacen de la síntesis sensible de lo humano, exento de la sobreactuación gestual. Es la vida de siempre la que fluye desde las obras; vida que tiene un pasado complejo, entre oculto, el que se deja ver en las ventanas del hoy.

IV.

Alexander Sutulov, nativo de Concepción, ciudad universitaria en la que su padre es recordado como figura emblemática y cuya Pinacoteca de la Casa del Arte de la Universidad de Concepción, posee importantes obras del artista. Descubrió allí, en su juventud, el género del mural como vehículo de exteriorización de ideas. En cierta forma, desde entonces, sus creaciones configuran la escritura plástica de la saga de las culturas de la humanidad y de los desafíos vitales. Lo pasado, lo cotidiano y el fantasma de lo que adviene, despiertan nuestras conciencias al recorrer sus obras.

Antonio Fernández Vilches
Director Pinacoteca Casa del Arte de la Universidad de Concepción
Concepción, junio 1996, Chile
Catálogo “Key Black: Gráfica del Sur”

(*) Término utilizado para describir un taller que se caracteriza por una noción de movilidad, desplazamiento de información visual, utilización de transferencias fotográficas y archivos digitales.

LOS PROYECTOS DE ALEXANDER SUTULOV


1. Un proyecto artístico es más que el conjunto de escritos, dibujos y cálculos hechos para dar una idea de lo que será y costará una obra, tal como sucede en ingeniería o arquitectura, que es la definición, en el diccionario, de la palabra proyecto. Los proyectos de arte, que es lo que nos presenta aquí Alexander Sutulov, son una particular forma de reflexión, los que requieren de una comunidad para alcanzar su verdadero significado, valor y existencia. Proposición del artista que supera largamente cualquier afán didáctico y que establece una opción estética –lo bueno y lo bello– por algo está por existir y que necesita del acercamiento de cada persona para que exista la oportunidad de hacerla suya. Esto, porque una idea, en el arte, no llama solamente a los saberes que la puedan hacer posible, convoca a la generosidad: a la alegría de darse más allá de los límites que se esperarían de las profesiones y los intereses particulares. Más que públicos o clientes, un proyecto de arte necesita actores.

EL PROYECTO ARTÍSTICO

2. En estos años de tanto poder, al proyecto artístico, que es una potencia –por eso Sutulov trabaja, junto a los viejos oficios clásicos, con tecnologías digitales que son la frontera del desarrollo hoy día–, le cuesta vivir, posiblemente por la atomización de los lenguajes y saberes; cada uno quiere reducir el plan a su propio y cerrado coto de cacería sin que exista la plasticidad para ir más allá de las propias fronteras y articularse con otros: los fragmentos impiden el total, que es nuestra crisis contemporánea. Buena parte de estos problemas viene de confundir, con demasiada facilidad, a la capacidad humana de proyectarse con el imperio todopoderoso del futuro, el que se ha convertido en una exigencia despótica y ya no en una posibilidad que ilumina el presente y de ahí viene gran parte de su riqueza y renovada inmortalidad para cada y diferente periodo humano que puede ver algo en ella: el arte por más desoladora que sea con la realidad que trate, es un reposo.

3. En los pasos que Sutulov desarrolla sus proyectos destaca la plasticidad y diversidad de formas de expresión que puede alcanzar la obra y de donde viene buena parte de la riqueza para potenciarla, dependiendo de la técnica de impresión o medio que la hará visible. Esto es así porque el trabajo no termina en la imagen: simultáneamente existió una labor prolija y paciente investigando las posibles estructuras y superficies, y que se relaciona directamente con otros saberes: ingenieros, impresores, arquitectos, diseñadores tridimensionales, etc.

4. Los proyectos de Alexander Sutulov aquí expuestos son, tozudamente, el insistir en una posibilidad para la asociación y diálogo, dando bases para establecer un lenguaje que, sin hacer perder a los diferentes “idiomas” sus propias especificaciones e integridades, sí pueda levantar una lengua común para conversar, para reflexionar. Por otro lado, como significado, estos proyectos interpelan a todo aquel que tiene algún poder sobre las decisiones que determinan que algo pueda existir: autoridades, financistas y técnicos. Interpelación para que se sumen como articuladores y no como dioses lejanos.

5. En los proyectos de Sutulov vemos recorridos humanos potenciados por un plan. El caminar de una persona ya no será el mismo si tiene la oportunidad de encontrarse con una obra de arte en su rutina. Eso buscan mostrarnos las “realidades virtuales”, los proyectos en tres dimensiones y planos: cómo sería un andar, un deambular, una espera, si ahí, cerca, existiera una obra de arte levantada por una comunidad. Mayor razón para que el arte nos salga al encuentro: llame nuestra atención y quizás un espacio, ese caminar, ese estar acompañado o solo sea diferente: signifique algo.

6. Para el arte, para los significados, estos pueden ser tiempos de crisis, tiempos de disolución, pero el optar por un trabajo gráfico es para Sutulov una afirmación rotunda: los significados son posibles si hay comunidad, si la hacemos, si articulamos comunidad. Eso es cultura. Y los proyectos están aquí para hecer posible esa oportunidad.

EL TRABAJO DE SUTULOV EN SUS PROYECTOS

7. En todo proyecto los pasos son importantes, de ellos depende la fluidez y el que no se traicione una idea, además de la constante evaluación para mejorar y asegurar que el resultado final cumpla todos los criterios de excelencia. En un proyecto de arte esas mismas etapas se convierten, a la vez, en un proceso de modulación que es parte constituyente y simbólica de la obra como arte. Esto es particularmente característico de la disciplina gráfica que comenzó –hace varios años ya– a rescatar e interrogarse por los elementos que la conforman como expresión: su origen en la obra multiejemplar, la separación de colores, los procedimientos de impresión, la serie, la imagen repetida, los bocetos y planos, la fotografía y las pruebas de impresión; confluyendo, además, en este oficio en particular, todas las formas en que la imagen es elaborada, captada o procesada. Hoy son los procesos digitales, la electrografía, los programas de edición de imágenes y las redes por donde la “información” viaja, los mapas de bits y las gráficas vectorizadas. Así las cosas, ¿cuál es el soporte hoy para una obra digital? ¿El disco óptico, la impresión Iris, la pantalla del computador, la litografía, la obra virtual? Todas son posibles. Y la constante es la información. Información que es una obra de arte.

8. La obra de Sutulov comienza con la búsqueda de las imágenes, algo que puede ser una investigación deliberada o un encuentro fortuito. Desde ahí cada imagen es valorada en una cantidad de relaciones que la definen: la foto que nos habla de una época, los trazos que hablan de una edad, el arte que expresa un ideal. Una vez seleccionadas o creadas, estas imágenes son digitalizadas: archivadas. Con esta meditación los medios electrónicos comienzan a ser forzados: ya no se tratará de lo que los programas puedan hacer, será lo que el artista les exige. Desde ahí se inicia una etapa de composición, de bocetos, los que también serán digitales, para descomponerlos en los 4 cauces de información gráfica: el amarillo, el cyan, el magenta y el negro. Cada cauce o imagen será intervenido y compuesto con los otros al superponerlas, produciendo una imagen final, todo potenciado con la intervención del artista sobre cada una de ellos o el total, gracias a una verdadera cartografía: mapas para “entender” los cauces de las aguadas, los límites de las imágenes y sus encuentros, los recorridos de las líneas y las alturas de las luces y sombras de colores: paisajes para ser recorridos. Allí también suceden encuentros tanto planeados como fortuitos que potencian el trabajo, que lo vuelven a descubrir. Conformada la obra, volverá ella a entrar como un archivo digital, donde nuevamente será replanteada, reprocesada, redescubierta.

9. A cualquiera podría llamarle la atención que esta necesidad de diálogo que Sutulov le imprime a sus proyectos amenazara con hacer perder la integridad de una obra de arte. No hay que temer, la obra, ese archivo digital, es la integridad a la que se vuelve una y otra vez si hay dudas: se regresa a una obra y no a un boceto, es más poderosa que una simple referencia y allí descansa la entereza estética de los proyectos. Eso les permitirá moldearse de múltiples formas e, incluso, viajar por el espacio virtual: el formato digital.

10. Para finalizar, vale la pena decir que cuando contemplo el trabajo de Alexander Sutulov, me sorprendo pensando en el poder y no en la fuerza: sinónimos que en este siglo pueden ser dos significados diferentes. El poder de su obra es suficientemente delicado como para no forzarnos, no violentarnos. Hoy es común, más que en otras épocas, confundir al arte con un acto de fuerza –lo que debe ser por las exigencias de un futuro despótico–; una especie de amedrentamiento que incluso se vuelve contra el propio artista y ni siquiera por la obra, sino por las relaciones públicas o el marketing: la nada. Es un respiro encontrarse con un artista que apuesta su identidad en la obra de arte y a la que se dedica su integridad como creador.

Luis Catalán Torres
Asesor en Gestión Cultural
Proyecto Mural Historia de la Minería Chilena
Santiago, Chile, abril de 1998